Inma Heredia es una de las fundadoras del CoroDelantal. Nuestra Palanca #8 es una mujer positiva, espiritual y muy valiente. Su divertidísimo monólogo My Audition for Almodóvar fue un gran éxito en Nueva York durante años, y hoy continúa alegrando al público neoyorkino con sus coplas bilingües, vestida de faralaes entre rascacielos. Inma es una…
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¡Fuenteovejuna, todos a una! Escribió el sabio Lope de Vega. Y es que en cualquier época, que todo el pueblo se cargue al malo tiene su mérito, y también su riesgo con las censuras que los protegen… Laurencia, una de las protagonistas, inspiró la ReSonancia de este mes de mayo, pues su monólogo después de…
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Lo femenino, lo ritual, lo comunitario, el abrazo, los cuidados. La entrevista que me hizo Mairea Seguí y su equipo-akelarre para el documental ‘Mujeres Artistas Incandescentes’ (MAI) me llegó muy profundo, haciéndome revisar mis entrañas para encontrar algunos ejes de la esencia de la creación.
Mairea Seguí: Vas a empezar primero, para romper un poco el hielo con cómo te llamas: Di tu nombre, de dónde vienes, qué es lo que haces…
Sonia Megías: ¿Qué es lo que hago?
MS: Sí.
SM: Me llamo Sonia Megías, soy compositora, dirijo el coro experimental CoroDelantal, también tengo un dúo que se llama Dúa de Pel, y bueno, me dedico a la música desde que tengo uso de razón.
MS: Muchas gracias. Acabas de decir que te dedicas a la música desde que tienes uso de razón, y creo que empezaste tocando con un teclado melodías que escuchabas de niña. ¿Ese fue el inicio de todo? ¿Eso fue lo que te impulsó a ser artista o tuvo que pasar más tiempo? ¿Desde pequeña lo tenías claro?
SM: Desde pequeña tuve claro que me quería dedicar a la música. Mi primer acercamiento fue con la guitarra de mi madre y también con un tecladito Casio que me regalaron cuando tenía tres años y con el que efectivamente sacaba de oído melodías que escuchaba. Ahí fue cuando mi madre dijo: “Hay que hacer algo con esta chiquilla”.
MS: Entonces, tu relación con el arte es como creadora. ¿Es algo innato?
SM: Sí. Mi padre era dibujante, mi madre también ha dibujado siempre muy bien. El arte en mi familia ha estado siempre presente como algo natural; es decir, ponernos a dibujar en casa o a cantar o a tocar era lo habitual. Entonces sí, ha sido muy natural.
MS: ¿Y hay alguna cosa que te conmueva especialmente para crear? ¿Cuál es la inspiración primigenia que te tira?
SM: ¿De cuando empecé a crear?
MS: De todo. El punto de creación en sí mismo. Esa cosa que conmueve, te tira hacia adelante de manera creativa, que te impulsa.
SM: Bueno, yo creo que estoy en la dimensión humana para crear. No tengo ninguna duda con eso. Si no estoy creando, enfermo. Creo porque es lo que he venido a hacer aquí. Y atraer a lo visible, a lo tangible, a lo escuchable/audible, algo que está en otros lugares, y a lo que accedo a través de… ¿Qué son las musas? Todas estas preguntas que nos hacemos siempre los artistas. ¿De dónde viene la inspiración? De tantos lugares…
Lo natural para mí es hacer música: cantar, tocar, dibujar…
MS: Para ti la música, en tu obra, siempre dices que está ligada al ritual, que llevas la música al ritual, algo que ya nos viene desde los griegos, el ethos y el pathos…
SM: Antes…
MS: Desde antes. Pero quiero decir esa relación entre lo colectivo, lo individual, el ritual… ¿Qué papel es el tuyo en cuanto al arte y la sociedad dentro de ese concepto de ritual, de arte colectivo, de transformación… ?
SM: Yo creo que el arte es social o no es arte. La música es social o no es música. La música ha sido parte fundamental en los rituales, ha sido la manera de conexión con lo invisible desde que el humano es humano. Celebrar la edad adulta, celebrar el nacimiento de una criatura, honrar la muerte de otra, celebrar que dos personas se juntan y se quieren… Todo este tipo de rituales, antes de que existiera cualquier tipo de religión, siempre se han hecho a partir de la música, de forma natural e inherente al ser humano. Con los instrumentos que se tuviera y sobre todo con la voz. Por eso también me dedico a la voz.
Con mis grupos, sobre todo con el CoroDelantal, acabamos haciendo rituales porque cuando nos juntamos a cantar (también la dirección coral considero que es algo muy chamánico) acabamos haciendo cosas muy hermosas que nadie esperábamos. También ponernos el delantal como uniforme, el delantal como máscara de cuerpo, a modo de las máscaras africanas, de las máscaras griegas, a modo de cualquier tipo de manifestación artística en la que se sabe que se está implicando a lo invisible, a lo divino. Cuando te pones el delantal te conviertes en algo que no te atreves a ser en tu vida rutinaria, en tu vida cotidiana.
Y con Dúa de Pel, que es el otro proyecto con el que ya llevamos varios años, igual, los conciertos son rituales. El público nos cuenta que ha experimentado un viaje, una transformación, un recuerdo, el contacto con algo que no saben muy bien qué es, un inconsciente colectivo.
Entonces sí, creo que la música, y sobre todo a través de las voces, nos conecta a intérpretes y público con algo muy humano y muy esencial.
MS: Lo que he visto en vuestras reuniones es que, aunque no os dé tiempo a ensayarlo todo, la energía está puesta ahí y hay una complicidad, un lenguaje que no es explícito, una conexión que es muy interesante.
SM: Claro, que tú has venido a los ensayos. Sí, con estas mujeres del CoroDelantal yo llevo ya bastantes años trabajando, pero me he dado cuenta de que ahora, en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA), he juntado a otra gente para hacer un CoroDelantal allí y he ido observando cómo es el proceso desde el principio, cómo la gente se va convirtiendo en cantantes del CoroDelantal: desde que son gente normal hasta que de pronto se van metiendo ahí y ya empieza a haber ese tipo de complicidad de la que hablas y esa manera de pensar en comunidad, en colectivo, una comunidad enloquecida y abierta a la conexión.
Y me ha parecido muy gustoso, porque con el CoroDelantal de aquí de Madrid ya llevaba bastantes años y ya nos conocemos mucho, nos entendemos muy bien y también hemos crecido mucho juntas, pero ahora al empezar de nuevo el proyecto en Alicante ha sido muy interesante ir impregnando a esas nuevas personas con esta manera de hacer las cosas, y cómo cada una ha ido aportando y de nuevo hemos empezado a ir creciendo juntas.
Es muy bonito. Es algo no tan fácil de explicar. Hay que verlo.
MS: A mí me encantó escucharles a ellas, que decían: “Menos mal que estás tú, Sonia, que crees en nosotras y lo vamos a conseguir, porque ahora mismo estamos perdidas”. Es muy bello ver esa diferencia entre el trabajo individual y colectivo, y que la suma de las partes es mucho más que cada una por separado.
SM: Claro, por supuesto. Es una gran relación de confianza. Ellas confían en mí y yo confío en ellas, y se genera eso. Montamos algo que en realidad es una co-creación. Yo soy la responsable del grupo y la que va liderando esa energía, como os digo, de una manera bastante chamánica, más que como una directora que mueve los brazos ‘por encima de la línea’ (técnicas de dirección coral). Es esa confianza, esa complicidad lo que hace que estemos todas en eso y que cuando acabemos de ensayar una obra nos miremos y digamos: “Qué chulo”.
Es siempre sorprendente, inesperado. Y si la ensayamos de nuevo, saldrá algo distinto. Y claro, eso luego el público lo nota: “¿Qué ha pasado aquí?”. Pero eso me pasa con el CoroDelantal y también con Dúa de Pel. Con Dúa de Pel somos sólo dos personas, aunque a veces cantamos con más músicos, y también pasa eso, que acaba la canción, nos miramos y decimos: “Menudo viaje”, y de pronto el de la marimba está llorando, el otro está paralizado, y dices: Aquí pasa algo.
Y al final, el público acaba siendo partícipe de esa energía co-creadora, de esa magia, de esa energía que somos capaces de generar o atraer.
MS: Hablas de ese conjuro que se genera. Muchas veces eso parte de las partituras, porque tus partituras son plenamente experimentales. Muchas veces, con el CoroDelantal incluso el propio espacio se convierte en una partitura. A veces a cada objeto asignáis un sonido, incluso construyes partituras con distintos elementos. El espacio, la partitura, el ritual… ¿Cómo lo haces? ¿Cómo juntas todo eso? ¿Cómo conviertes un espacio en música, más allá del propio sonido?
SM: Yo creo que todo parte de la escucha. Hay algunas compositoras de los Estados Unidos a quienes admiro mucho; una fue mi maestra Pauline Oliveros. Ella fundó el Instituto de Escucha profunda (hoy llamado Center for Deep Listening), y tiene unos ejercicios de escucha que son deliciosos y que te hacen escuchar de manera que te conectas con las cosas, con las personas.
También está Meredith Monk, que no ha sido mi maestra pero que compartimos cantantes; es decir, que hay cantantes de sus grupos que han sido parte del CoroDelantal de Nueva York. Me siento bastante identificada con ella también. En una entrevista, Meredith comentaba su manera de componer, describiéndola como “una escucha muy profunda, tanto que permites que algo que existe en otras dimensiones pase a través de ti”.
Estudié en Estados Unidos, me formé en Nueva York. Otro neoyorkino, John Zorn, cuya visión de la música también me interesa mucho, habla de que cuando llegas a un lugar contactas con los genios que habitan en él. Él no habla de musas sino de genios. Dice que cuando llegas a un lugar estos genios te susurran cosas.
Al final, creo que todo va de lo mismo, que va de una escucha. Llegas a un lugar, abres las antenas y se te va revelando todo. Pero también a la hora de crear, por ejemplo a la hora de crear estas partituras-escultura de las que hablas, sucede igual. En un rato cojo un avión a Paraguay con nueve bultos, uno de los cuales es una maleta llena de partituras táctiles, etc. porque las voy a exponer en Asunción.
He seguido creando estas partituras, a las que he llamado ‘partituras raras’, porque me suponen una manera de ponerme al servicio de esa inspiración. De estar al servicio de algo más grande que yo, y si realmente estoy al servicio estoy con todo, aunque no entienda lo que hago. Es una entrega total.
Intentar encajar en un pentagrama una información musical que pide otros soportes sería reducirlo, no honrarlo. Como os contaba, en mi familia hemos tenido también esa manera de comunicarnos, a través de las artes plásticas, y eso me ha dado recursos para ponerme a disposición y con apertura a hacer otro tipo de partituras.
Este tipo de obras sólo se pueden crear desde una escucha profunda. Si a esa inspiración que viene así de libre quieres imponerle un pentagrama o un compás o una melodía, te estás perdiendo lo que es la obra. Por eso ha sido esto de crear partituras distintas: algunas en las que te metes dentro, que paseas sobre ellas…
Me ayuda mucho crearlas para el CoroDelantal, porque en el grupo hay gente que lee música y gente que no lee. Música me refiero a pentagrama… Entonces es muy curioso ver cómo las personas que no han pasado por la enseñanza académica de la música son capaces de leer estas partituras distintas de una forma más fluida que alguien que ha pasado por la formación académica y que está llena de miedos a equivocarse.
Aquí también surge esa lucha entre qué es la academia y qué es la música en realidad. Yo he pasado por la formación de conservatorio, de un máster universitario en composición musical… pero por suerte siempre he llevado una vida musical, acompañada de gente que no sabía leer pentagramas. Música folclórica con los coros y danzas de mi pueblo, música pop, jazz, flamenco… siempre en paralelo a esa formación.
Ha sido muy interesante vivir esos dos mundos que no tienen nada que ver entre sí. Eso también me ha ayudado a hacer las cosas que hago. Si sólo me hubiera formado en el mundo académico me habría costado mucho salir de ahí, viviría con los ojos cerrados a la música real y a ese disfrute que produce.
Nueva York, con la improvisación libre, la performance, me abrió la mente. Recuerdo varios momentos de pensar: ¡ah, que todo esto existe! Y también momentos de darme cuenta de que ocurrencias que tenía en clase y que se me prohibieron (mi trabajo de fin de carrera en Murcia quería ser una obra orquestal escrita enteramente en frecuencias), tratándome de chiflada, han sido ya hechos; como es el caso de Phill Niblock, otro de mis maestros, que se dedica a eso y que además tiene a sus músicos que interpretan desde frecuencias.
MS: Tú tienes muchos elementos escénicos porque también te has formado en teatro y en otras disciplinas escénicas.
SM: Sí, la mímica, la danza, el kárate… Y me he visto envuelta en proyectos de todo tipo, también con personas de diversidad funcional. Por ejemplo, estuve dos años de profesora en los talleres del Centro Dramático Nacional en el festival ‘Una Mirada Diferente’, donde se hicieron grupos con personas ciegas, con síndrome de down, sordas, albinas, hemipléjicas junto con actores y actrices profesionales de teatro que no tenían diversidad funcional. Mi sensación fue muy curiosa porque me parecía un coro al uso. Después de trabajar tanto con coros y disfrutar de la gran variedad de personas que los componían, esto me parecía de lo más habitual.
Al final somos todas personas. Y la música tiene un poder integrador brutal.
Lo de tener en cuenta el espacio escénico se debe también a que siempre vi la música como algo más que sólo ponerte a emitir sonidos en un escenario y que haya gente en sus butacas escuchándote. Y también se debe a las distintas situaciones en las que me ha ido poniendo la vida y que he tenido que ir resolviendo de unos y otros modos con todos los recursos y técnicas que tenía.
MS: En tus proyectos sobre todo participan mujeres.
SM: Sí, como por ejemplo en este documental, que sois todas mujeres las que me entrevistáis.
MS: ¿A qué se puede deber que haya mayoría mujeres en tus proyectos?
SM: Lo de hacer proyectos con mujeres es porque si tú pruebas a hacer una propuesta en cualquier lugar y de cualquier actividad, y te van a venir 20 mujeres, y hombres 2, 1 o ninguno. Así que me he encontrado con esta realidad. Además, he estado muy implicada durante años (desde 2007) en el coro feminista de Madrid, que ahora se llama Malvaloca y que antes se llamó Coro Entredós.
Pero mi intención, en general, no es trabajar sólo con mujeres, sino que al plantear actividades son las mujeres las que se inscriben. Por ejemplo, como os contaba con el CoroDelantal del MACA, que es bastante reciente, abrimos convocatorias públicas en cada temporada de 3 meses para que entre gente nueva, y mandan su carta de motivación 15 mujeres y 2 hombres. A mí me da igual con quién trabajar, en realidad. No tengo preferencias.
MS: ¿Y lo de las ‘Mujeres dadá’ qué es?
SM: Bueno, me he visto envuelta en muchos proyectos en los que buscaban a mujeres artistas. En este caso se me definió como ‘mujer dadá’. A mí me hace gracia cuando alguien me mete en un saco de algo, porque yo hago mi trabajo y luego viene alguien y lo define. ¿Que soy dadá? Pues bien. ¿Que soy mística? Pues también. ¿Por qué no?
El proyecto de ‘Mujeres dadá’ es un impulso de Ximo Rochera y Lucía Peiró, que son dos artistas valencianos. Él es el director de la editorial Canibaal y ella es performer. Ximo pidió a Lucía la búsqueda de 16 mujeres dadaístas (ella incluida) para conformar este proyecto. A mí me conocía porque he hecho varias cosas en Valencia.
En Valencia hay un ambiente muy interesante de música experimental y de performance, muy activo. De hecho me gustaría hacer allí mi doctorado, en la Universidad Politécnica, en el Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes, donde hay profesorado como Bartolomé Ferrando, Elia Torrecilla, Miguel Molina Alarcón… Mucha gente interesante.
Para el proyecto de ‘Mujeres dadá’ recuerdo ver los e-mails y pensar: Qué cosa más rara. Pero no entendía nada. Y al final entendí que cada una de las mujeres teníamos que crear tres cartas de una baraja, redactar nuestro propio manifiesto dadá (de cada una) en la parte de atrás de esas cartas, y hacer una acción dadá para grabarla en vídeo y pasársela también. Así que hice el 7 de Oros, la Reina de Oros y la Reina de Espadas, y luego me grabé destrozando un plumífero que me había acompañado durante 10 años, para hacer un cambio de plumaje.
Así llamé al vídeo ritual catártico destrozando el plumífero: ‘Cambio de plumaje’. Podéis verlo en YouTube. Fue un sacrificio. Con el plumón del abrigo hice las cartas. Y lo que quedó del abrigo y del plumón lo entregué a Lucía y a Ximo para que lo metieran en cajas de cerillas y ser entregado a modo de objeto dadá (o pedazos del cadáver) a quien comprara la caja de ‘Mujeres dadá’.
Continuamos buceando en la bella serie de séptimas diatónicas en nuestro #7 de LaGuitarradeSofía. Esta vez nos dedicamos a la parte práctica en la que aprendemos canciones conocidísimas como I will survive, A quién le importa, Un ramito de violetas y otras obras tocadas por esta secuencia armónica. Asomaremos la nariz tímidamente a la notación melódica por números.
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El compositor peruano Adrián Flores Albán escribió el vals Alma, corazón y vida en 1948, a la temprana edad de 23 años. Si bien convertí esta obra en ArteSonía (arreglo) para el Coro de Voces Bravas de Madrid, la estrenó años después el neoyorkino NYU Madrigal Singers, dirigido por Nancy Shankman en el Loewe Theater de Manhattan. ¡Estas cosas pasan!
La versión más conocida de Alma, corazón y vida es la del trío Los Panchos, que nos han hecho llegar tantas canciones bonitas de siempre:
Para conocer algo más de la historia de este hermoso vals criollo, lee este artículo.
Para el arreglo coral, pensé en la tonalidad de Re menor porque las melodías, por su tesitura, se repartían bien entre las voces de soprano y tenor:
Es interesante ver que hay un doble estribillo en la canción. Lo que hice fue llamar al primero ‘Puente’ y al segundo ‘Estribillo’, pues van seguidos detrás de la estrofa. También es interesante en la canción que se repite entera y no hay estrofa 1 y 2, sino que es la misma estrofa 1 la que se repite, quedando así:
En la primera mitad del estribillo veis que pongo la melodía en las sopranos y en la otra mitad la pongo en los tenores. En ambos casos, hago una segunda voz siguiendo la armonía, más o menos a distancia de 6ª inferior. Observad esos detalles. También los diálogos entre las voces para rellenar los huecos rítmicos de la melodía.
A veces, las hierbas que mejor huelen no son las que mejor saben. Veamos qué le ocurre a Cocolí con esta infusión… Cocolí en ‘La infusión’ tiene como performer a Eva Guillamón. El concepto y la música son de Sonia Megías. Juntas conforman Dúa de Pel.
En la gira sudamericana que hicimos hace un año con Dúa de Pel conocí a personas que me marcaron un antes y un después. Una de ellas fue Roberto Villalba, director del Centro Cultural Flotante Siete Corrientes y hombre del Renacimiento. Cuando sepáis más sobre este “paraguayo, pero argentino naturalizado”, entenderéis perfectamente por qué es nuestra Palanca #7.
Me entusiasman las personas que llevan a cabo sus iniciativas. Las que no se quedan en la queja, las que no dependen de jefas, las que sueñan algo y buscan el modo de cumplir su sueño. Así es Roberto. Él ha viajado por todo el mundo con su mujer, Irma Saiz, nuestra Palanca #0, didacta de la matemática, que como trabajaba desde casa pudo acompañar a su marido y aprovechar los viajes para conocer la aproximación a esta disciplina en unos y otros países que recorrieron juntos (Argelia, México, Francia… ). Son una pareja impresionante. En este número conoceréis al gran Roberto Villalba y algunos, sólo algunos de sus sueños cumplidos.
Su biografía reza lo siguiente: Médico especializado en cirugía de corazón; investigador y autor de trabajos científicos y libros en la especialidad de cirugía cardíaca. Artista plástico de formación autodidacta, realizó muestras individuales y colectivas en Argentina, Francia, Argelia, México y Paraguay, países donde ejerció su profesión de médico. Fue médico voluntario en la selva de Burkina Faso.
Autor de cuentos cortos: El izquierdista y El sonido del silencio (Ed. El gallo ilustrado. México); La última profecía, El aprendiz de alquimista, Microcuentos (Ed. Molino de la costa. Argentina). Coautor de los libros Mundo de muñecas e Historias cruzadas, autor de las novelas El cazador de bichejos y El ojo de Alláh (Ed. Moglia. Argentina). Autor del libro infantil El pequeño gigante de los pies de barro, ganador del certamen de la Asociación de Artes y Letras de Valencia. Autor del libro de cuentos Mundos cruzados, traducido y publicado en Noruega.
Entrevista a Roberto Villalba. Corrientes (Argentina), abril de 2022
Sonia Megías: Roberto Villalba, médico cirujano, escritor, inventor, artista plástico también, medio arquitecto, y sobre todo fundador de este Centro Cultural Flotante de Corrientes, tan hermoso. Hola, Roberto.
SM:Vamos a empezar por algo. Cuéntanos qué son estos códices.
RV: Esto son réplicas facsimilares de los códices, que eran los libros que escribían las civilizaciones mayas, aztecas, mixtecos… Todas ellas civilizaciones mesoamericanas. La gente no sabe que ellos tenían libros donde escribían poesía, historia, calendarios… Desgraciadamente, casi todos fueron quemados en 1562 y sólo sobrevivieron 16 códices, que están esparcidos por el mundo y yo los fui reproduciendo uno a uno de la forma más parecida a los originales, con el mismo protopapel y fabricados con la misma técnica que usaban ellos. Es un protopapel fantástico. Había entonces dos protopapeles: el papiro en Egipto y el papel amatl, o amate, como llama la gente, en Mesoamérica.
SM: Porque aquí en el Centro Cultural Flotante, entre otras cosas, hay un taller de papel.
RV: Un taller de papel artesanal, hecho a mano, también con técnicas ancestrales, donde se hace papel como se hacía el papel hace 2000 años, y también cómo se hacen los protopapeles.
SM: Ajá. Y cuéntanos también cómo fue lo de hacerte con este Centro Cultural Flotante, cómo empezó, cuántos años lleváis…
RV: Bueno, llevamos 18 años con el centro cultural. Tiene una característica muy particular y que me parece muy linda. Estamos en una estructura que es totalmente de concreto (hormigón) y flota. Es una embarcación de concreto. Somos el único centro cultural del mundo que flota en una embarcación de concreto.
Esta embarcación ya cumplió 100 años, y fue fabricada en Argentina. Yo creo que es un patrimonio de la ciudad, o de la provincia.
SM: Y tú no eres argentino. Eres paraguayo.
RV: Sí, soy argentino naturalizado, pero soy paraguayo. Nací en Paraguay y llegué a Corrientes cuando tenía 4 años.
SM: Has estado por el mundo como cirujano cardiovascular.
RV: Sí. Yo primeramente terminé mis estudios en Buenos Aires, hice residencia de cirugía general, primeramente como formación de cirugía de tórax. Posteriormente empecé a hacer cirugía cardiaca, que en Argentina había un solo lugar. Después a Francia, al Instituto de Cardiología de Lyon, que era lo más moderno de Europa y el primero que había de ese tipo. Luego de nuevo un poquito a Argentina y de nuevo a Lyon.
Gané un concurso (una oposición) en la Universidad de Constantina, en Argelia, donde fui a trabajar 2 años. Después fui de vacaciones a México y me quedé 8 años, también trabajando en el Instituto Nacional de Cardiología de México, que es el primer instituto de cardiología del mundo. La cardiología a nivel mundial nació en México. Eso es algo que muy poca gente sabe. En 1942. O sea, tan viejo como yo.
SM: ¿Cuándo decides dejar a un lado la cardiología, la cirugía, y dedicarte al arte, a fundar un camping privado con su playa privada en una laguna, etc.?
RV: Nunca estuve alejado del área de la cultura. Muchos años fui artista plástico, si se tiene que llamar así. Hice exposiciones en todos los lugares donde anduve y utilizaba una técnica también ancestral, que es el batik, de origen javanés, que tiene ya más de 2000 años.
SM: ¿Es pintura en seda?
RV: Seda natural, o lino, o algodón. Siempre texturas naturales. Después de eso, un artista mexicano fantástico papelero me enseñó a hacer papel. Yo nunca pensaba que haría papel algún día, y protopapel. Y ahí empecé con un pequeño fragmento de códice, y después seguí, y en la actualidad acá en el centro cultural se pueden ver las 16 réplicas de códices.
SM: Sí, que además ahora vas a exponerlos en otros lugares.
RV: Sí, ya los llevé a otros lugares acá en el interior y en Misiones, y probablemente ahora en mayo a Formosa y después a Paraguay, a Asunción.
SM: Y qué curioso. Me gustaría preguntarte por qué no se recogen en forma de rulo, como los pergaminos de Egipto.
RV: Es que los pergaminos no se podían plegar. Si se plegaban como esto, se rompían. En cambio éste es un protopapel superior al papiro egipcio. Como puedes ver, está escrito por los dos lados. Se puede desplegar o se puede leer como un libro, página por página.
SM: Es una maravilla.
RV: Fantástico. Son realmente obras de arte. Los escribas mayas, aztecas, eran realmente grandes artistas. La gente lo ve y parece que ellos lo imprimieron, pero no lo imprimieron.
SM: ¿Quieres enseñarnos un poquito del centro cultural?
RV: Bueno, también tengo una faceta de escritor.
SM: ¡Entre las múltiples facetas! Aquí tenemos novelas, cuentos. Roberto es un ser tremendamente creativo. Yo he podido ver sus casas aquí en Corrientes y en La Quinta, en La Laguna. Las ha construido él mismo y son una maravilla.
Vamos afuera. Todo este tiempo estábamos flotando sobre el río Paraná.
RV: Aquí, para que veas la magnificencia de este río tan fantástico. Hay gente que dice que es casi un mar. No hay que exagerar tanto, pero es un río fantástico. Estamos en el Centro Cultural Flotante Siete Corrientes. Somos también punto de cultura de la nación. Y tenemos esta estructura recuperada por nosotros.
SM: Y que tiene una cafetería, y tiene unas cuantas salas…
RV: Cafetería, biblioteca, salones de usos múltiples…
SM: Lleva 18 años funcionando. Aquí está la cafetería, que cuenta con un rincón del alquimista.
RV: Sí, admiro mucho a los antiguos alquimistas. Muchos de ellos fueron los que comenzaron con la verdadera ciencia. Y fueron los que inventaron la química. Con Paracelso a la cabeza, que fue el médico que cambió la historia de la enseñanza de la medicina.
Acá tenemos también una pequeña biblioteca, donde la gente puede venir a leer sin ningún inconveniente.
SM: Y aquí hay una sala muy grande donde se hacen ensayos de teatro. ¡Vamos a poder entrar!
RV: Desde la cafetería y la sala hay una fantástica vista del río.
SM: Lo que se ve enfrente es el Chaco, que es pura naturaleza.
RV: Esta es la sala de usos múltiples. En total tenemos este año 22 talleres que incluyen los más diversos temas.
SM: O sea que el Centro Cultural Flotante es un punto importante de la cultura correntina.
RV: Sí, por muchos años fuimos el único centro cultural alternativo de toda la provincia de Corrientes. Con una tarea que nos costó mucho pero lo sostuvimos, porque en esa época había muy poco hábito de la gente por la cultura. Pero hoy, como te digo, ya funciona muy bien.
SM: Y además me consta que tienes un montón de colaboradoras muy jovencitas que están muy entusiasmadas con el proyecto. Que te apoyan en todo y continúan tu labor.
RV: Son gente fundamental: Kevin, Valeria, Rocío…
SM: Romina…
RV: Somos un pequeño equipo, pero que funciona muy bien.
SM: También en el piso de arriba hay un teatro, donde actuó Dúa de Pel. Y me gustaría, Roberto, que dieras algún consejo a las personas que son como tú, soñadoras y creativas. ¿Qué les dirías para que sigan adelante?
RV: Bueno, ¡que sostengan los sueños! Cuando una está convencida, la mejor forma es concretarlo.
SM: ¡Gracias, Roberto!
RV: No, gracias a vos. Y muchas gracias por la visita de Dúa de Pel, porque fue un acontecimiento. La gente que las vio nunca las van a olvidar.
El Real Jardín Botánico de Madrid acoge hasta el 17 de mayo la exposición Tránsitos de la fotógrafa Pilar Pequeño, comisariada por Gertrud Gómez. El trabajo de estas dos mujeres encarna nuestra ReSonancia de abril, acercándonos a las flores de la primavera desde su perspectiva fresca y estimulante. “Transitar las delicadas fotografías de naturaleza de…
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Curiosamente, las cuerdas hacen su aparición de nuevo en mi mundo creativo relacionado con Alicante. Y es que mi primer trabajo en esta ciudad fue el estreno de mi obra …Es Particular, para ensemble, comba y pizarra, en el Teatro Arniches, a cargo del ensemble L’Espai Sonor, dirigido por Voro García. La reaparición de las cuerdas en mi trabajo actual en Alicante, en el MACA, me hace mirar en mis entrañas y buscar paralelismos. La vida me resulta una espiral en la que transitamos lugares similares, cada vez con más experiencia vital.
Es extraño, pero hay alguna unión de mi hacer en Alicante con el misterio de las cuerdas. Algunas cuerdas invisibles que puedan tener que ver con el pasado de mi familia por estas tierras… ¿Será porque mi tío abuelo Roberto, completamente pelirrojo, vivió aquí y tocaba el violín de maravilla? Las cuerdas de su violín o los cordones de los cientos de zapatos que mi padre diseñara durante su última época feliz, en Benidorm,… Cordones, sogas, branas, supercuerdas… Un columpio más, colgado del árbol familiar, sujeto por cuerdas y desde el que me balanceo en mis procesos creativos.
…Es particular (2009)
Por una parte, en 2009 se estrenó en el Teatro Arniches mi obra …Es particular, para ensemble, encargo del INAEM para el XXV Festival de Música Contemporánea de Alicante. La primera intención de la obra era reflejar en música la teoría de cuerdas o branas, pero conforme me introduje en ella gracias a algunas amigas físicas y unos cuantos textos, me fui alejando de las branas y acercándome a las cuerdas de comba y a los átomos. Finalmente, la obra la creé con dos intenciones fusionadas:
1) La de hacer un homenaje a mi tía abuela Teodora López, que había sido maestra durante la dictadura. Por lo tanto, quería utilizar elementos escolares como la pizarra, la comba, los babis o las tablas de multiplicar.
2) La de convertir al ensemble en un átomo y a los músicos en partículas subatómicas, generando energías centrípetas y centrífugas a través de los cúmulos de sonidos y de la coreografía de la comba.
Os comparto el vídeo del estreno, emitido por la revista Doce Notas, y que está dividido en dos partes:
Primera parte de la obra:
Segunda parte:
Y algunas impresiones de los críticos del momento:
En la obra pretendía que las músicas saltaran a la comba, entrando y saliendo de ella como hacen las partículas, pero no estaban acostumbrados a tan ágil hazaña, así que saltaban junto a la comba.
Esto es algo que pasa frecuentemente con músicas no acostumbradas a la música experimental: en cuanto desaparece el pentagrama o hay que levantarse de la silla para hacer algo, el miedo se apodera de la situación y hay que reducir la obra a las posibilidades de las intérpretes.
La geometría de las cuerdas (2023)
Diez años después de la comba conocí a la artista Eva Lootz (Premio Nacional de Bellas Artes, 1994), que será una de nuestras próximas Palancas. Entre sus preciosos trabajos está su investigación acerca de lo que ella llama string figures, o figuras de cuerdas, que son las cunitas que hemos hecho todas con nuestras abuelas, ésas que hacemos con cordones y que se pueden construir a dos manos o a cuatro.
Eva y yo estamos colaborando desde hace unos años, y nuestra última co-creación ha incluido a otra artista, que es la bailarina y coreógrafa Alicia Narejos. Las tres nos juntamos en casa de Eva, en Madrid, a comienzos de año, para hacer experimentos con las cuerdas y pensar de qué manera llevar esas figuras al tamaño corporal de las cantantes del Gran CoroDelantal, tomando a cada cual como si de un dedo se tratase.
Alicia, con el resultado de estos encuentros y las reuniones con compañeras de la Residencia de Estudiantes (donde es becaria) que investigan cuestiones de física, vino al MACA como artista invitada e hicimos un taller con ella que tuvo momentos bellísimos. Nunca había puesto al Gran CoroDelantal a moverse en el espacio bajo la tutela de una persona especialista, y me pareció una delicia.
Realizamos un entrenamiento de dos días con 100 metros de cordón rojo de barco en la biblioteca del museo, y para el ensayo general nos bajamos al hall, donde preparamos esta pequeña muestra cuyo resumen os comparto:
El público alicantino aplaudió enardecido ante una propuesta tan original, extraída del encuentro de una artista plástica, una coreógrafa, una compositora y un montón de criaturas corales provenidas de los tres CoroDelantal que ahora pueblan el planeta. Ninguna de ellas sabía de lo acontecido con la cuerda en el Teatro Arniches catorce años antes. Ni que cuando se tensó aquella comba salieron despedidas hacia el público, en energía centrífuga, las cientos de notas musicales que esa esfera de energía había aglutinado durante la pieza.
Cuerpos es el tema que cierra el primer disco de Dúa de Pel. Es un poema, un rap, una letanía sobre base de percusión en directo y algo de electrónica en disco. Eva Guillamón es poeta (que no poetisa) y cantante en Dúa de Pel, y su poema Cuerpos es nuestro UniversoPel de marzo porque en este mes lleno de actos feministas no encontré un mejor modo de hacernos estallar la conciencia corporal a todas.
El pasado 26 de febrero hubo un acto en el Teatro de la Zarzuela. En ese acto, se homenajeó a mujeres de las artes escénicas y de la literatura. Las actrices Vicky Peña, Emma Suárez y María Hervás recitaron poemas de Rosalía de Castro, Audre Lorde, María Montero Zeledón, Eeva Kilpi o de Elvira Sastre, entre otras. Fue un acto bellísimo y rescataré alguno de esos poemas en otra de las ReSonancias, porque merecían la pena.
Cuerpos a rebosar, cuerpos malgastados, aburridos, consumidos, consumistas, encerrados, operados, abandonados, vacíos. Cuerpos que dicen no y otros cuerpos no lo entienden, cuerpos que quieren y no saben cómo, cuerpos con miedo de su propio cuerpo, cuerpos que buscan cuerpos en los que hundirse, abrazarse, llorar. Cuerpos que no se atreven a dar la cara, cuerpos que quieren ser otro cuerpo, cuerpos a punto de perderse, cuerpos desaparecidos, vendidos, explotados, violados, torturados. Cuerpos que no se callan por el bien de otros cuerpos, cuerpos que nunca aprendieron a decir yo y responden tú a todo.Millones de cuerpos sobre la tierra, miles de millones de cuerpos, de bocas que alimentar, de estómagos buscando sin suerte pan y agua. ¿Hay Tierra suficiente para tantos cuerpos?, porque sobran cuerpos o faltan ganas de llevarlos a cabo, porque el vientre sólo es el principio, y eso a lo que hoy llamamos silencio es el aullido de un planeta al que le cuestan tantos cuerpos pidiéndole más. Y suenan también las carreras para huir del cuerpo, para lograr escapar de él, que no nos alcance la muerte, ni la vida, porque pesa, porque cansa, porque es más fácil cuando no hay un cuerpo que arrastrar, que cuidar, que mostrar, que amar y ser amado; porque es más fácil correr, porque el cuerpo no perdona y la piel tiene memoria y es incluso más lógico querer dejar de ser un trozo de carne para convertirnos en una idea limpia, en una posibilidad absoluta. Y ahí se acaban los desiertos, los mares infinitos, los bosques oscuros, el peligro, la distancia, las lágrimas, las pestañas entre los dedos pidiendo deseos que no están en mi mano. Tal vez hubo un tiempo en el que el cuerpo andaba bien, y nosotros con él, pero ahora sólo andan los que no tienen más que la esperanza de que allá lejos paso a paso la vida se levante de nuevo. Ellos son todo cuerpo, son sólo cuerpo y el cuerpo, ya se sabe, es una máquina imperfecta. Por eso los cuerpos se están terminando, con su saliva, el sudor, el sexo piel con piel, orgasmos con prisa, miradas que no se encuentran aunque se choquen los ojos. Follar para qué… Lo importante es amarse a uno mismo, el físico es lo de menos. Amarse a uno mismo es el principio de todo, y el final, porque el uno mismo ocupa tanto. A ver si un día quedamos, tomamos algo, claro que sí, anda que no lo pasábamos bien, todavía me acuerdo, qué importantes son los recuerdos, al final es lo único que te llevas, lo único que te queda, lo que de verdad importa. Hablamos.
¿Y qué? ¿Cómo se os ha quedado el cuerpo? Os recomiendo leer y releer el texto. Identificaos con unos y con otros, a modo de acto psicomágico.
No os extrañará que cada vez que interpretamos este poema con Dúa de Pel, el público no sepa qué hacer. No aplauden. Se quedan petrificadas.
El arte contemporáneo guarda muchos secretos. Cocolí visita un museo y no termina bien de entender… Cocolí en ‘La obra de arte’ tiene como performer a Eva Guillamón. El concepto y la música son de Sonia Megías. Juntas conforman Dúa de Pel.
La serie de séptimas diatónicas es la secuencia más utilizada en la historia de la música occidental en cuanto a cuatríadas se refiere, por eso la hemos elegido para este #6 de LaGuitarradeSofía, desarrollando el uso de los acordes de cuatro notas. La serie de séptimas diatónicas se lleva utilizando desde el Barroco y en muchísimas canciones de pop aparece.
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